El poder del mente y la belleza de los manos
Eloísa Cartonera y Los Cartoneros
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 La década de 1960 estuvo llena de hostilidad en todos los aspectos de la vida. La rebelión política estaba aumentando a través de gran parte de América Latina y con eso vino la corrupción, impactando las vidas de las personas subrepresentadas sin poder en la sociedad. Casi impotentes contra la lucha de las dictaduras de la Operación Cóndor recientemente creadas, las personas de la clase trabajadora como las que vivían y trabajaban en Tucumán, Argentina, estuvieron expuestas a los cambios negativos que el nuevo gobierno argentino creó con respecto a las normas laborales. Un movimiento de levantamiento provino de un enfoque vanguardista para abordar el problema que estaba teniendo lugar en Tucumán. Antes de que comenzara este movimiento, la crítica del arte latinoamericano se centraba en la idea de qué era realmente el arte público. Para muchos de los artistas y movimientos anteriores a la década de 1960, el arte público estaba en manos del gobierno, controlando dónde y cómo se conceptualizaba este arte en las mentes del público. Así fue como el arte se vio obstaculizado, no permitiendo que el arte sea accesible en todo momento para nadie, debido al control del gobierno de censurar este contenido. Tucuman Arde transformó la idea del arte público. Su estilo de sorpresa y rebelión contra el alcance del gobierno permitió que la plataforma del arte se elevara lo suficiente como para que todos la vieran. El mensaje detrás de la exposición fue simple: resaltar las formas en que los trabajadores en Tucumán están siendo corrompidos y cómo el gobierno es el único responsable de este problema. La idea detrás de la exposición para referirse a la ciudad como la quema demuestra el cambio y la importancia que este movimiento de vanguardia hizo para crear una nueva identidad del arte público, ya que el gobierno nunca patrocinaría algo como esto. Las campañas de carteles fueron importante en la demostración del arte público durante el movimiento de Tucuman Arde. Tal alcance permitió a los curadores de Tucumán reunir propuestas estéticas no definidas en la exposición por estética de inmaterialidad, sino por su capacidad de intervención. Este enfoque, sin duda, cambió las mismas reglas según las cuales se había escrito la historia del arte conceptual. Esta forma de arte a través de los medios de publicidad dentro de las calles de tucuman se opone a la organización consensuada del poder y su arte de distribución y su papel en la sociedad. Al redefinir cómo se percibía el arte público entre todos los grupos de personas, Tucuman Arde provocó otros movimientos en los años venideros durante los años de la dictadura en Argentina y otros países como Chile, Uruguay y Bolivia. Darle la espalda a la conformidad de los EE.UU. y la influencia europea en el arte separaba aún más la distinción entre el arte público bajo la influencia del gobierno y el arte público estructurado como Tucumán Arde. Cuestionar el enfoque para crear arte que se ajuste a la estética de la influencia colonial ya no existía. Tucumán Arde pavimentó un nuevo camino, un camino de rebelión, un camino de esperanza, un camino de identidad para los poco representados. Debido a esto, Argentina pronto encontró mejores días para su sociedad en los años venideros. 
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 Antonio Berni estaba destinado a ser una representación viva de su país de origen, Argentina. Cuando era un niño, cualquiera que estuviera a su alrededor sabía que su arte transmitía mensajes fuertes y tenía potencial para hacerse popular en todo el mundo. Al crecer en un momento de pobreza y desesperación, Berni se horrorizó ante las diferencias entre la vida en Europa durante sus estudios y su vida en la Argentina cuando regresó. Bajo la guía de David Siqueiros en sus primeras etapas como artista en Argentina, Berni aprendió las formas de crear murales para evocar sentimientos y emociones a través de grandes obras. Sin embargo, su relación con el famoso muralista mexicano no duró mucho debido a la desaprobación de Berni de crear trabajo para la clase alta, la sociedad burguesa. Lo que Berni hizo a la cultura de Argentina a partir de entonces con su estilo único de trabajo creando una identidad para Argentina y cómo sus problemas sociales fueron vistos por el resto del mundo. Su equilibrio de capturar la estética que comúnmente se encuentra en las obras murales que adaptaron el estilo burgués de los Tres Grandes e implementar la oscuridad para simbolizar la pobreza en la clase trabajadora argentina criticó la ignorancia de los poderes superiores en el país para tomar medidas y apoyar estas luchas grupos. La estética demostró ser fundamental en sus estilos futuros, ya que le permitió a Berni crear hermosas obras con mensajes aún más fuertes. La yuxtaposición fue una herramienta tan poderosa para usar en el arte latinoamericano en el momento de la carrera de Berni, y esta idea de contrarrestar un mensaje con un significado diferente de un estilo de trabajo ayudó al equilibrio artístico de Berni. Su uso de su figura creada, Juanito Laguna, es famoso por mostrar esta yuxtaposición a través de su vida a través del sufrimiento y la oscuridad. De su obra, Remontando su barrilete, vemos el conflicto entre Berni con su cometa y la basura que está alrededor el niño. La luz de Juanito y la oscuridad de la basura crea un imagen en cuestión sobre la vida en Argentina. La nube en el fondo con los edificios de varios colores representan un sentido de esperanza para el futuro. Sin embargo, en el frente de la foto, Juanito está en la realidad del presente de Argentina, de sufrimiento y dificultades en los pueblos que Berní experimentó. La inocencia de Juanito demuestra la estética y la ligereza en el estilo de Berni, pero el ambiente que rodea al niño está lleno de oscuridad y puntos comunes de pobreza que se pueden ver en las calles de la vida real de Argentina. Con los esfuerzos de Berni por trascender la identidad argentina y promover el cambio a través de pinturas y representaciones visuales de sus figuras y referencias simbólicas, pudo inspirar a la gente a luchar por su lugar en la sociedad. Con Berni a la cabeza de este movimiento, la belleza del equilibrio nunca se vio obstaculizada. Su interpretación del estado de Argentina fue tan única que la visión exterior de su trabajo creó un reconocimiento del sufrimiento de su país a personas de todo el mundo.   El muralismo mexicano moldeó en gran medida cómo las personas utilizaron un movimiento artístico para transmitir un mensaje político o social durante el resto del siglo XX. Originalmente emitido por el gobierno mexicano en 1921 para educar a la población y proporcionar una dirección post-revolución, se convirtió en algo mucho más con su impacto a través de otras fronteras. Los tres grandes que encabezan esta carga de un movimiento eran Diego Rivera, José Clemente Orozco y David Siqueiros. Con sus primeros trabajos en México demostrando ser una idea popular, pintar en las paredes de algunos de los edificios más notables de México, su influencia los llevó a implementar su trabajo en los Estados Unidos. Una exhibición de más de 20 muralistas mexicanos en Nueva York puso este estilo en una plataforma para que 25,000 personas sean testigos. Las imágenes profundas integradas en estas obras colocaron un gran tema de la historia en el patrimonio de México y cómo su país, junto con los Estados Unidos, estaba tan fuertemente influenciado por las potencias coloniales que todavía tenían importancia en sus sociedades. Estos murales a menudo servían para criticar algún aspecto de la cultura política o social, algo que muchos estadounidenses no estaban acostumbrados a ver en obras artísticas de esta escala y tamaño. Para Diego Rivera, su popularidad en los Estados Unidos presentó oportunidades para crear su trabajo en lugares que se convertirían en hitos icónicos. Podría decirse que su proyecto artístico más notable fue la obra maestra de 27 murales en Detroit. Rivera fue capaz de representar no solo el proceso industrial en la producción y fabricación de automóviles, sino que también pudo incorporar su técnica de fresco, junto con su estudio del cubismo y su conocimiento del arte precolombino en el mural, haciendo que esto funcione un estudio complejo de técnicas artísticas históricas. Rivera comenzó a desvanecerse de tener un papel prominente como influenciador en Estados Unidos. A pesar de su salida del centro de la cultura artística estadounidense, su impacto allanó el camino para el futuro de esta influencia hispana en su cultura. Rivera proporcionó un modelo nacionalista para un emergente renacimiento cultural estadounidense, mientras que su producción en los Estados Unidos también legitimó la búsqueda de sus artistas de una identidad como parte de una iniciativa hemisférica. Partiendo de esto, la representación principal en el mural norte del proyecto representa la idea del hombre frente a la máquina y la importancia que tendrá con la llegada de la nueva era industrial. Para muchos estadounidenses que vieron el producto terminado en el momento de su finalización, no entendieron el contexto de lo que Rivera y otros muralistas simbolizaron en sus obras. En el momento de la crisis política con los puntos de vista capitalistas y comunistas de México y Estados Unidos, el trabajo de estos muralistas mexicanos fue criticado. El debate histórico de la implementación de Rivera del bebé cristo que estaba rindiendo homenaje a la familia sagrada, pero muchas personas solo vieron este acto como una parodia de sus creencias religiosas. Independientemente de las ideas que alguien haya puesto sobre Rivera y los otros muralistas en este momento, el impacto que el muralismo tuvo en el impacto de las futuras obras artísticas para los hispanos no tuvo parangón en establecer un precedente para cualquier otra obra artística. A pesar de las diferencias entre las dos culturas, estos artistas aún podían criticar a la sociedad del mundo que los cubría y ayudarlos a comprender la importancia del arte transcultural para moldear las creencias y los ideales de la sociedad.  |
AuthorSoy un estudiante a la Universidad de Oregon que escribiendo sobre arte en el pasado, presente y futuro en América Latina. Espero que lo disfrutes. Archives
March 2018
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