El poder del mente y la belleza de los manos
Eloísa Cartonera y Los Cartoneros
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El inicio de Eloísa Cartonera en 2003 desafió la idea de cómo se usaba el espacio público para traer una nueva idea sobre el tema de un movimiento educativo en Argentina. Utilizar todo el potencial de una idea para transmitir un poderoso mensaje e impacto en un grupo de personas afectadas por la crisis que tuvo lugar en Argentina durante el comienzo del nuevo siglo ayudó a inspirar el cambio dentro de las fronteras del país y fuera de otros países latinoamericanos también.
Debido a que se perdieron muchos empleos, muchos argentinos recurrieron a la venta de diversos materiales en las calles de Buenos Aires y otras ciudades grandes con mucha gente. Debido a la ayuda y asistencia del gobierno para proporcionar un ingreso a las personas en las calles que limpiarían el material reciclado, muchas personas comenzaron a vender cartón al gobierno como medio para ganar algo de dinero. Conocidos como los cartoneros, estos ciudadanos fuertemente impactados de Argentina estaban haciendo todo lo que podían para sobrevivir a la crisis que estaba teniendo lugar en su país de origen. La aparición de Eloísa Cartonera en respuesta a la crisis dio a estos cartoneros una nueva esperanza. Mientras que el gobierno les proporcionaba algún incentivo monetario para venderles el cartón, el precio era muy bajo debido al poco dinero que el gobierno tenía que gastar. Comprar el cartón a estas personas de la clase trabajadora, y convertirlas en libros, cambió la idea del espacio público a través de la lente de toda la cultura de América latina. Crear un producto simple, como un libro, pero utilizando los recursos de la organización, como la compra de los cartoneros, remodeló el poder de cómo el espacio público puede inspirar y cambiar a una población. Con la lucha del gobierno por el dinero, no podían pagarle a los cartoneros una cantidad adecuada para sobrevivir. También elevaron los precios en muchas otras cosas, como materiales educativos que fueron importantes para los jóvenes de Argentina. Los esfuerzos de Eloísa Cartonera para pagar a los cartoneros más por sus recursos y vender los libros al público en general a un margen más asequible que el gobierno dio paso a la conexión de la comunidad. Al inicio del movimiento en 2003, el resurgimiento del estado de Argentina comenzó a mejorar en los años siguientes. Además de mejorar la condición general del país, el proceso de redefinición del espacio público y cómo los ciudadanos de Argentina estaban conectados en los diversos sistemas sociológicos dieron nueva vida a muchos que fueron derrotados de la crisis. Mejorando la calidad de vida, abriendo nuevas vías para la educación pública e inspirando a otros países de América latina bajo el mismo movimiento, Eloísa Cartonera logró todo esto y más desafiando los problemas suprayacentes de Argentina.
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 Ana Mendieta cambió la perspectiva sobre cómo se veía a las mujeres en una sociedad. Como una mujer e inmigrante, desafió la idea de una minoría que aborda los problemas actuales en los Estados Unidos de América y en todo el mundo. Antes de Mendieta, las mujeres de todo el país intentaban reunirse para poner fin al maltrato que muchas de ellas padecían día a día. Los intentos fallidos de sacar a colación las discusiones válidas en torno a la igualdad entre los sexos cesaron cuando el surgimiento del arte de Mendieta solidificó las discusiones entre el hombre y la mujer. Su trabajo inspiró a las mujeres a despertar el activismo en todo el país y elevó su lucha de un "movimiento de clase media" a uno que tomó en cuenta en todo el mundo. Su interpretación del cuerpo humano y cómo debería ser percibido atrajo gran atención al movimiento feminista. Al conectar los temas de suas obras corporales con aspectos de la naturaleza y su herencia afrocubana se creó un estilo exclusivo solo para Mendieta. Como inmigrante a América después de haber sido exiliada de su país de Cuba a la edad de 12 años, el dolor de su viaje al exilio y el papel de una mujer en los EE.UU. trasciende su trabajo para ser poderosa para cualquier audiencia que ponga su mirada en la obra. Creando obras como su famoso Untitled (Rape Scene) en 1973 en respuesta a la trágica violación y asesinato de un compañero de estudios en la Universidad de Iowa. En la obra, Mendieta se ató, completamente expuesta, a un escritorio y permitió que la gente viniera a ver la exposición en persona. El contenido gráfico mostrado en la obra fue intenso desde una perspectiva pictórica, sin embargo, creó un escaparate en persona para que las personas puedan conocer la verdadera emoción y el dolor experimentado por el estudiante de Iowa, así como miles de mujeres en todo el país que soportaron la misma cosa. El enfoque para crear arte destinado a que la audiencia vea la fuente directa, con el cuerpo humano como el medio de las obras, permite que la emoción en bruto y sin filtrar salga de la obra y absorba al espectador. En su vida efímera, este trabajo de Ana Mendieta y su constante defensa del tema no discutido de los derechos de las mujeres todavía inspira a las mujeres a marchar por las ciudades y pasados congresos hasta el día de hoy. Las mujeres necesitaban una voz, y esa voz era obra de Ana Mendieta. Su legado continúa vivo mientras transformó la idea perdida de los derechos de las mujeres como un "movimiento de clase media" a lo que representaba durante su vida y todavía hoy como una poderosa fuerza en la sociedad estadounidense.   Después de la destrucción que Augusto Pinochet causó a toda la nación de Chile durante su reinado como dictador entre 1974 y 1990, la gente necesitaba una manera que honrar a sus seres queridos que fueron violados, torturados y asesinados a lo largo de los 16 años. El espacio es tan importante en la forma en que crea una visión compartida de nuevos comienzos, especialmente en un momento después de que América latina experimentó la corrupción a través de sus muchos líderes políticos. En 2010, se inauguró el Museo de la Memoria y los Derechos Humanos en la capital de Chile, Santiago. El objetivo de la creación de este museo fue crear un espacio compartido para las víctimas y las familias de las víctimas de las violaciones cometidas por Pinochet para que puedan reunirse y experimentar un trabajo que aborde la cuestión de los problemas experimentados durante tanto tiempo. Sin embargo, una vez que se completa y se expone al público en general, el trabajo de este museo no ha cumplido su principal objetivo en la gestión de relaciones importantes entre el pasado y el futuro de la nación de Chile. Para este espacio, las imágenes y representaciones que hicieron las obras dentro de las paredes describen lo que sucedió durante el régimen de Pinochet, pero no abordan la necesidad actual de tomar este tema del sufrimiento y crear un movimiento para abolir la posibilidad de que ocurran estos eventos en el futuro. La incapacidad de equilibrar la visualización de las emociones del trabajo para estimular ciertas percepciones de los efectos negativos de la era de Pinochet obstaculiza el camino para unir a un país roto de Chile. Chile fue el último país de América latina en ser arrojado bajo un gobierno dictatorial, y podría decirse que fue el peor en la forma en que Pinochet utilizó su poder. Para que el museo no aborde el verdadero impulso para una nueva vida después de su antiguo dictador, están acatando la idea de que lo que ocurrió durante 16 años bajo su mandato y los muchos años anteriores no es importante. En el futuro, el énfasis de equilibrar las representaciones de las imágenes y las obras utilizadas en estos espacios compartidos y sus mensajes codificados para el diverso grupo de miembros de la audiencia presentes es cómo se puede interpretar el verdadero significado de la palabra. Para el Museo de la Memoria y los Derechos Humanos, es inevitable que su espacio compartido se convierta en un recuerdo de los perdidos y violados durante la dictadura, pero también para mostrar formas de cómo la gente en Chile se unió para provocar el cambio. Esto es lo más importante que un espacio compartido como este puede ofrecer sobre cómo el cambio siempre está ocurriendo y cómo un grupo colectivo puede unirse para proporcionar un cambio positivo en cualquier entorno.   La década de 1960 estuvo llena de hostilidad en todos los aspectos de la vida. La rebelión política estaba aumentando a través de gran parte de América Latina y con eso vino la corrupción, impactando las vidas de las personas subrepresentadas sin poder en la sociedad. Casi impotentes contra la lucha de las dictaduras de la Operación Cóndor recientemente creadas, las personas de la clase trabajadora como las que vivían y trabajaban en Tucumán, Argentina, estuvieron expuestas a los cambios negativos que el nuevo gobierno argentino creó con respecto a las normas laborales. Un movimiento de levantamiento provino de un enfoque vanguardista para abordar el problema que estaba teniendo lugar en Tucumán. Antes de que comenzara este movimiento, la crítica del arte latinoamericano se centraba en la idea de qué era realmente el arte público. Para muchos de los artistas y movimientos anteriores a la década de 1960, el arte público estaba en manos del gobierno, controlando dónde y cómo se conceptualizaba este arte en las mentes del público. Así fue como el arte se vio obstaculizado, no permitiendo que el arte sea accesible en todo momento para nadie, debido al control del gobierno de censurar este contenido. Tucuman Arde transformó la idea del arte público. Su estilo de sorpresa y rebelión contra el alcance del gobierno permitió que la plataforma del arte se elevara lo suficiente como para que todos la vieran. El mensaje detrás de la exposición fue simple: resaltar las formas en que los trabajadores en Tucumán están siendo corrompidos y cómo el gobierno es el único responsable de este problema. La idea detrás de la exposición para referirse a la ciudad como la quema demuestra el cambio y la importancia que este movimiento de vanguardia hizo para crear una nueva identidad del arte público, ya que el gobierno nunca patrocinaría algo como esto. Las campañas de carteles fueron importante en la demostración del arte público durante el movimiento de Tucuman Arde. Tal alcance permitió a los curadores de Tucumán reunir propuestas estéticas no definidas en la exposición por estética de inmaterialidad, sino por su capacidad de intervención. Este enfoque, sin duda, cambió las mismas reglas según las cuales se había escrito la historia del arte conceptual. Esta forma de arte a través de los medios de publicidad dentro de las calles de tucuman se opone a la organización consensuada del poder y su arte de distribución y su papel en la sociedad. Al redefinir cómo se percibía el arte público entre todos los grupos de personas, Tucuman Arde provocó otros movimientos en los años venideros durante los años de la dictadura en Argentina y otros países como Chile, Uruguay y Bolivia. Darle la espalda a la conformidad de los EE.UU. y la influencia europea en el arte separaba aún más la distinción entre el arte público bajo la influencia del gobierno y el arte público estructurado como Tucumán Arde. Cuestionar el enfoque para crear arte que se ajuste a la estética de la influencia colonial ya no existía. Tucumán Arde pavimentó un nuevo camino, un camino de rebelión, un camino de esperanza, un camino de identidad para los poco representados. Debido a esto, Argentina pronto encontró mejores días para su sociedad en los años venideros.   Antonio Berni estaba destinado a ser una representación viva de su país de origen, Argentina. Cuando era un niño, cualquiera que estuviera a su alrededor sabía que su arte transmitía mensajes fuertes y tenía potencial para hacerse popular en todo el mundo. Al crecer en un momento de pobreza y desesperación, Berni se horrorizó ante las diferencias entre la vida en Europa durante sus estudios y su vida en la Argentina cuando regresó. Bajo la guía de David Siqueiros en sus primeras etapas como artista en Argentina, Berni aprendió las formas de crear murales para evocar sentimientos y emociones a través de grandes obras. Sin embargo, su relación con el famoso muralista mexicano no duró mucho debido a la desaprobación de Berni de crear trabajo para la clase alta, la sociedad burguesa. Lo que Berni hizo a la cultura de Argentina a partir de entonces con su estilo único de trabajo creando una identidad para Argentina y cómo sus problemas sociales fueron vistos por el resto del mundo. Su equilibrio de capturar la estética que comúnmente se encuentra en las obras murales que adaptaron el estilo burgués de los Tres Grandes e implementar la oscuridad para simbolizar la pobreza en la clase trabajadora argentina criticó la ignorancia de los poderes superiores en el país para tomar medidas y apoyar estas luchas grupos. La estética demostró ser fundamental en sus estilos futuros, ya que le permitió a Berni crear hermosas obras con mensajes aún más fuertes. La yuxtaposición fue una herramienta tan poderosa para usar en el arte latinoamericano en el momento de la carrera de Berni, y esta idea de contrarrestar un mensaje con un significado diferente de un estilo de trabajo ayudó al equilibrio artístico de Berni. Su uso de su figura creada, Juanito Laguna, es famoso por mostrar esta yuxtaposición a través de su vida a través del sufrimiento y la oscuridad. De su obra, Remontando su barrilete, vemos el conflicto entre Berni con su cometa y la basura que está alrededor el niño. La luz de Juanito y la oscuridad de la basura crea un imagen en cuestión sobre la vida en Argentina. La nube en el fondo con los edificios de varios colores representan un sentido de esperanza para el futuro. Sin embargo, en el frente de la foto, Juanito está en la realidad del presente de Argentina, de sufrimiento y dificultades en los pueblos que Berní experimentó. La inocencia de Juanito demuestra la estética y la ligereza en el estilo de Berni, pero el ambiente que rodea al niño está lleno de oscuridad y puntos comunes de pobreza que se pueden ver en las calles de la vida real de Argentina. Con los esfuerzos de Berni por trascender la identidad argentina y promover el cambio a través de pinturas y representaciones visuales de sus figuras y referencias simbólicas, pudo inspirar a la gente a luchar por su lugar en la sociedad. Con Berni a la cabeza de este movimiento, la belleza del equilibrio nunca se vio obstaculizada. Su interpretación del estado de Argentina fue tan única que la visión exterior de su trabajo creó un reconocimiento del sufrimiento de su país a personas de todo el mundo.   El muralismo mexicano moldeó en gran medida cómo las personas utilizaron un movimiento artístico para transmitir un mensaje político o social durante el resto del siglo XX. Originalmente emitido por el gobierno mexicano en 1921 para educar a la población y proporcionar una dirección post-revolución, se convirtió en algo mucho más con su impacto a través de otras fronteras. Los tres grandes que encabezan esta carga de un movimiento eran Diego Rivera, José Clemente Orozco y David Siqueiros. Con sus primeros trabajos en México demostrando ser una idea popular, pintar en las paredes de algunos de los edificios más notables de México, su influencia los llevó a implementar su trabajo en los Estados Unidos. Una exhibición de más de 20 muralistas mexicanos en Nueva York puso este estilo en una plataforma para que 25,000 personas sean testigos. Las imágenes profundas integradas en estas obras colocaron un gran tema de la historia en el patrimonio de México y cómo su país, junto con los Estados Unidos, estaba tan fuertemente influenciado por las potencias coloniales que todavía tenían importancia en sus sociedades. Estos murales a menudo servían para criticar algún aspecto de la cultura política o social, algo que muchos estadounidenses no estaban acostumbrados a ver en obras artísticas de esta escala y tamaño. Para Diego Rivera, su popularidad en los Estados Unidos presentó oportunidades para crear su trabajo en lugares que se convertirían en hitos icónicos. Podría decirse que su proyecto artístico más notable fue la obra maestra de 27 murales en Detroit. Rivera fue capaz de representar no solo el proceso industrial en la producción y fabricación de automóviles, sino que también pudo incorporar su técnica de fresco, junto con su estudio del cubismo y su conocimiento del arte precolombino en el mural, haciendo que esto funcione un estudio complejo de técnicas artísticas históricas. Rivera comenzó a desvanecerse de tener un papel prominente como influenciador en Estados Unidos. A pesar de su salida del centro de la cultura artística estadounidense, su impacto allanó el camino para el futuro de esta influencia hispana en su cultura. Rivera proporcionó un modelo nacionalista para un emergente renacimiento cultural estadounidense, mientras que su producción en los Estados Unidos también legitimó la búsqueda de sus artistas de una identidad como parte de una iniciativa hemisférica. Partiendo de esto, la representación principal en el mural norte del proyecto representa la idea del hombre frente a la máquina y la importancia que tendrá con la llegada de la nueva era industrial. Para muchos estadounidenses que vieron el producto terminado en el momento de su finalización, no entendieron el contexto de lo que Rivera y otros muralistas simbolizaron en sus obras. En el momento de la crisis política con los puntos de vista capitalistas y comunistas de México y Estados Unidos, el trabajo de estos muralistas mexicanos fue criticado. El debate histórico de la implementación de Rivera del bebé cristo que estaba rindiendo homenaje a la familia sagrada, pero muchas personas solo vieron este acto como una parodia de sus creencias religiosas. Independientemente de las ideas que alguien haya puesto sobre Rivera y los otros muralistas en este momento, el impacto que el muralismo tuvo en el impacto de las futuras obras artísticas para los hispanos no tuvo parangón en establecer un precedente para cualquier otra obra artística. A pesar de las diferencias entre las dos culturas, estos artistas aún podían criticar a la sociedad del mundo que los cubría y ayudarlos a comprender la importancia del arte transcultural para moldear las creencias y los ideales de la sociedad.   Jean Michel Basquiat estaba destinado a ser un artista desde el momento en que nació. Cuando era un niño estaba fascinado con el arte y la forma en que dio forma a la ciudad en la que creció. Un joven miembro del Museo de Arte de Brooklyn, la familiaridad a una edad temprana sería más tarde influyente en sus obras artísticas. Emergiendo como un artista establecido en la escena de Nueva York donde los artistas se agruparon en los años 70 y 80, el trabajo de Basquiat comenzó a ganar el reconocimiento de las personas respetadas en la profesión. Sin embargo, cuando Basquiat comenzó a crear más y más piezas de arte, la gente estaba confundida acerca del propósito de su trabajo. El estilo del trabajo de Basquiat tomó gran influencia de su herencia. Siendo de un padre haitiano y una madre puertorriqueña, Basquiat se relacionó profundamente con sus raíces de esas culturas a través de la representación visual de sus pinturas. El estilo de primitivismo que encarnaba en sus obras era tan diferente de todo lo que la gente había visto en su generación. La combinación de las interpretaciones modernas y coloridas que muchos artistas de Basquiat estaban haciendo junto con la utilización de temas de herencia afro-latina hizo que sus obras fueran verdaderamente únicas y diferentes de sus pares. Al ganar una plataforma para mostrar su trabajo a grandes audiencias en exhibiciones de arte junto con ganar notoriedad a través de relaciones como la que tuvo con Andy Warhol, Basquiat usó esta plataforma para criticar la cultura estadounidense y cómo se vio afectado cuando era niño y en ese momento cuando el trabajo fue creado. "Untitled" en 1983 es una de las obras de Basquiat que critica el papel de los afro-latinos en Estados Unidos. El centro de la pintura tiene a Osiris guiando un bote por el río Nilo, una imagen común que el Dios del inframundo simboliza. Alrededor y acompañando a la imagen del centro hay imágenes que crean esta sensación de yuxtaposición entre africanos y Estados Unidos. Basquiat deja en claro al espectador que los egipcios eran considerados africanos por ubicación geográfica y que los africanos eran esclavos de la expansión del Nuevo Oeste. Estos esclavos fueron una parte crucial en el éxito de la construcción del Nuevo Mundo. A la derecha de Osiris, el esclavo está escrito 3 veces. Cada uno de ellos parece estar parcialmente tachado como si alguien estuviera tratando de borrar esta idea. El simbolismo que demuestra en este trabajo es cómo los egipcios intentaron borrar esta idea de que eran esclavos, pero que no podían hacerlo. Basquiat quería que los espectadores conectaran esta idea con la forma en que él y otros afro-latinos se sentían en Estados Unidos; cómo querían ser vistos como un grupo que no estaba conectado con la esclavitud, pero parecía inevitable que esto todavía era una parte importante de su historia y herencia. Cómo Jean Michel Basquiat usó su estilo único para transmitir un mensaje poderoso a su audiencia y apoyar un movimiento de identidad libre para la población afro-latina es lo que lo convirtió en un artista único y uno de los mejores de su generación. El poder y la emoción que capturó en sus obras vivirán para siempre.   El comienzo del siglo XVIII fue muy histórico en el contexto de lo que participó en Nueva España. Casi dos siglos después del descubrimiento inicial de Columbus y su tripulación de expedición, la tierra originalmente habitada por los nativos americanos fue colonizada por los españoles a través de la totalidad de las regiones. Implementar sus costumbres para que estos nativos cambiaron rápidamente llevó a que el poder colonial tenga el control total de la gente. Al establecerse en sus nuevos territorios, los españoles también comenzaron a aclimatarse a su nueva cultura, el medio ambiente y la gente que les rodea. Ante esto, los españoles tuvieron nuevas oportunidades de conocer hombres o mujeres nuevos en este nuevo mundo.
Nació el "Mestizo", una frase dada a un niño con herencia mixta de uno de los padres que era de ascendencia española y uno de origen nativo. Los niños de todas las razas nacieron cuando la mezcla de españoles y nativos comenzó a poblar la tierra. A medida que pasaron los años, la creación de una nueva vida trajo la creación de nuevas razas. El impacto de 200 años más tarde condujo a un crisol de identidad en la gente de Nueva España. Incapaces de ver por sí mismos, la realeza en España pidió ver lo que estaba ocurriendo a través del océano. Lo que siguió fue un nuevo sistema de jerarquía social que se puso en práctica a través de las imágenes al describir la idea de la realidad en el nuevo mundo. El desarrollo del sistema de castas a través de estas pinturas etiquetó e identificó a las personas basándose en las raíces de su herencia. Si bien la jerarquía aún favorecía la herencia española y su poder colonial, se consideraba que algunos nativos eran de un estatus inferior al que originalmente eran debido a cómo el sistema los percibía. A menudo se crea en una serie de 12-16 pinturas, la jerarquía fluye de arriba hacia abajo, lo que ilustra quién tiene poder sobre quién. El sistema causó una lucha en todo el nuevo mundo, ya que muchos nativos y personas bajo el poder colonial comenzaron a victimizarse mutuamente desde el momento en que estaban sujetos a los clasificaciones que estas pinturas daban. Para algunas razas, su herencia era tan variada que los pintores a menudo no sabían cómo identificarlos. Esto condujo a una gran discriminación de algunos grupos, ya que se los denominó nombres de animales o términos que simbolizaban lo desconocido de su raza, como "tente en el aire". La opresión que muchas de estas personas sintieron después de los efectos del sistema de castas continuó hasta las revoluciones años más tarde en el siglo. En una creación simple de ilustraciones que idealizaron la realidad del nuevo mundo, las vidas se cambiaron por la totalidad del gobierno colonial. A medida que su poder aumentaba, la mala interpretación de estas razas mixtas y no identificadas también aumentó. |
AuthorSoy un estudiante a la Universidad de Oregon que escribiendo sobre arte en el pasado, presente y futuro en América Latina. Espero que lo disfrutes. Archives
March 2018
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